Os dejo este enlace que es IMPRESIONANTE , evidentemente nunca voy a pintar asi, pero hay que intentarlo.
http://joseluiscorella.wordpress.com/2009/04/10/imagine/
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jueves, 6 de octubre de 2011
jueves, 5 de mayo de 2011
MARÍA ANDUEZA – INSTALACIONES SONORAS EN ESPACIOS PÚBLICOS
María Andueza es doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Ha realizado una tesis sobre instalaciones sonoras en el espacio público.
Hoy ha venido para hacer una ponencia a nuestro Campus de Aranjuez CES Felipe II de la Universidad Complutense de Madrid.
El arte sonoro se sitúa entre el arte y la música, pero tiene mejor acogida en lo teórico del campo de la música. Para ello parte de un neologismo, lo antianecoico, para describir un espacio, el de nuestras ciudades, un espacio urbano y social que suena y reverbera sin intención pero puede hacerlo también con ella.
Cámara anecoica – Nada que ver con lo artístico, son cámaras aisladas del exterior y constan de parees cubiertas de cuñas construidas de materiales que absorben el sonido y aumentan la difusión del escaso sonido que no se absorbe.
John Cage visito la cámara anecoica de la Harvard University , entro esperando escuchar el silencia, pero escucho dos sonidos, uno alto y uno bajo. El alto resultó ser su sistema nervioso y el bajo la circulación de su sangre. El sistema nervioso no hace ruido, en realidad lo que escucho era el típico zumbido agudo que escuchamos en ausencia de sonido llamado TINNITUS.
Por eso el arte sonoro es antianecoico, toman la ciudad como algo diferente y contrario. Cuando pensamos en el sonido y en la ciudad ya no depende de nosotros sino de la misma ciudad. El arte sonoro no depende de lo que el artista haya hecho, depende de las reacciones que surgen en los paseantes de la ciudad.
Se trata de una base de datos en la que podemos subir nuestras propias grabaciones de campo o escuchar el sonido de un viaje desde Madrid a China (por ejemplo) con todos sus lugares intermedios. Toda esta sonoridad está compuesta de un cúmulo de información que nuestros oídos necesitan y a los que nuestros oídos saben dar prioridad y también un valor.
¿Dónde surge el arte público sonoro?
- El Arte Sonoro: “Es un concepto artificial que surge como una necesidad de definir
todo lo que no cabe dentro del concepto música. De acuerdo a la definición de John
Cage de la música (sonidos organizados en el tiempo), el arte sonoro sería música. El
Arte Sonoro tiene que ver en general con obras artísticas que utilizan el sonido como
vehículo principal de expresión, que lo convierten en su columna vertebral”
Uno de los primeros empleos del termino de arte sonoro que ha quedado documentado, fue en la muestra realizada en 1983 que se denomino SOUND/ART, exhibía en The Sculptur Center de New York. La conjunción del sonido y de la imagen insiste en la implicación del espectador, forzando su participación en el espacio real y concreto.
Hay 4 figuras fundamentales del arte público sonoro.
MAX NEUHAUS
Considerado el padre del arte público sonoro. Un reconocido intérprete de música contemporánea (percusionista) y se convirtió en el primero en extender el sonido como un medio autónomo en el dominio del arte contemporáneo.
¿Por qué limitar la escucha a la sala de conciertos? ¿Por qué no simplemente llevar a la audiencia fuera y hacer una demostración en el exterior? En 1967 hace su primera instalación sonora y el que acuña el término y también es él quien deja de utilizarlo, lo abandona porque hay mucha gente que empieza a hacerlo y para él pierde el valor primero.
Siempre trabajó de forma anónima porque quería que la gente descubriese la obra sin saber el autor. No quería que la gente fuese a ver su obra sabiendo quien era. Una obra no se mira de igual forma si ya se conoce y existe la predisposición.
Instaló una bocina de altavoz en una rejilla del metro en Times Square (N.Y) en 1977, las corrientes de aire y la frecuencia alteran el sonido y este cambia constantemente.
Time Piece Graz 2003 – Austria. Consiste en eliminar después de haber creado. Un sonido desde cero, con elevación de volumen progresiva, del cual no nos damos cuenta de que existe hasta que no lo quitan. Cuando desaparece descubres el espacio urbano. Inventó un despertador con esta técnica. Falleció en 2009.
BILL FONTANA
Trabaja muy cercano a las instituciones, siempre tiene muchos medios. Trabaja la instalación sonora con la idea de monumento. En
Panoramic Echoes – 2007 N.Y – Madisson Square.
Coloca alrededor de la plaza unos altavoces con sonidos de pájaros y campanas , como representación de la llegada de la primavera. Todos los transeúntes escuchan el sonido extraño y esto desencadena una actitud diferente del paseante. Con el sonido puedes hacer que el espacio visual busque el lugar del sonido y despierta la curiosidad, en un contexto diferente adquieren una nueva dimensión.
CRISTINA KUBISCH – Electrical Walks
Trabaja con los sonidos ocultos que no se escuchan en la ciudad, sonidos desconocidos, de los aparatos electrónicos. Utiliza unos cascos especiales que amplifican las ondas y se puede escuchar el sonido de la iluminación, de los cajeros automáticos etc...
Hace una relación entre el que escucha (con los cascos) y el que no lo escucha... una relación de poder. Arte público sonoro pensado desde el espacio público NO SONORO.
PETER ABLINGER –
La ciudad como laboratorio que acoge experiencias. En la ciudad hay espectadores y ellos son los que pasean y experimentan.
Listening pieces – Son sillas vacías en espacios públicos ,por ejemplo frente al mar, en el centro de una ciudad etc.. . Viendo la fotografía podemos intuir el sonido del mar. Lo sonoro no está reñido con lo visual y desde lo sonoro podemos entender mucho mejor lo visual.
GEORG KLEIN – Sound of the Marl/ Mittle Space 2002 (Marl – Alemania)
El sonido de lo social en espacios públicos semi-abandonados.
En una estación de tren abandonada en Marl, solo los jóvenes la utilizan para pintadas de protesta en general. Localiza a estos jóvenes y trabaja con ellos. Convierte los grafitis escritos en sonoros. Cada joven graba su protesta y participan en el discurso sonoro. Las grabaciones se escuchan en toda la estación.
MARÍA ANDUEZA
Algarabía 2009 – Vitoria
Instala un sistema auto fónico. 4 altavoces distribuidos en una plaza de Vitoria.
Con similitud a los cantos de los pájaros ( primero llega un trino, luego dos, luego cuatro y así sucesivamente ), María graba 3000 silabas , la orden es que estas silabas salgan, de manera exponencial primero una, después dos , cuatro, ocho etc.... hasta que se forma una auténtica algarabía.
Con Algarabía quiere que el espacio exterior se convierta en un espacio interior, que progresivamente es espacio se convirtiese en algo cerrado.
Los que se dieron cuenta más rápido fueron los niños y los ancianos, no tanto la gente en general. El arte público sonoro no siempre funciona con todas las personas, solo con algunos niveles.
Residencia de estudiantes – Madrid
Esta instalación se realizo dentro de la copa de un pino con una cúpula enorme justo debajo de la residencia de estudiantes de Madrid, cerca del Museo de Ciencias Naturales.
María trabajo desde la sutileza por estar cerca de la residencia.
E tiempo real, un sonido de arrastrar algo y martillos, los sonidos se escuchan en distintas secuencias y en algunos casos los sonidos están alargados. Lo que funcionó en esta pieza fue la longitud entre los sonidos ya que sonaban de manera aleatoria.
Lo interesante es ver la reacción de la gente cuando se trabaja en un espacio público.
“ La obra de arte se convierte en un souvenir que evoca memorias más complejas que el objeto en sí mismo” – Heidi Grundmanm.
Tenemos algunos artistas españoles de reconocimiento internacional como Concha Jerez http://www.youtube.com/watch?v=z3yyXXA_Ol0
No sabía nada de este arte y me ha impresionado mucho. Seguiré investigando.
lunes, 2 de mayo de 2011
PSICOLOGíA DEL COLOR
Cromoterapia
La publicidad y el diseño es el campo donde más se estudia la influencia psicológica del color. Más del 80% de las percepciones humanas proceden del sentido de la vista. Y el color desempeña un importante papel en este proceso.
Se utilizan los colores para que el consumidor identifique el producto, lo asocie con el carácter y las cualidades que busca en dicho producto y finalmente, se sienta inducido a su compra.
Hay una tendencia a utilizar determinados colores en función de los diferentes productos, como cajas de bombones, azules y blancos para los detergentes, rojos para productos excitantes (refrescos y tabaco), por ejemplo el rojo de coca cola o el amarillo de Kodak. Está demostrado que el color puede afectar de forma significativa las reacciones y respuestas de las personas.
Por lo tanto queda demostrada la influencia que ejercen los colores sobre nuestro estado de ánimo. Pero si se usan de forma adecuada, los colores también pueden contribuir a mejorar ciertas molestias físicas, resultando una alternativa totalmente inocua a los medicamentos.
La cromoterapia tiene orígenes muy antiguos. Ya en Egipto se practicaba la helioterapia, o exposición solar, con fines terapéuticos. En India, la medicina ayurvedica siempre ha tenido en cuenta el modo en que los colores contribuyen al equilibrio de los chakras (los centros de energía que se asocian a las principales glándulas del cuerpo). La medicina China ha confiado en la acción beneficiosa de los colores para tratar determinadas patologías hasta el punto que la ropa y cortinas de las habitaciones de un enfermo se llegaban a teñir del color más indicado para combatir su enfermedad.
Estudios científicos demuestran la influencia de los colores sobre el sistema nervioso, inmunitario y metabólico.
El funcionamiento de la cromoterapia se justifica por las radiaciones que emiten las células sanas: de distinta frecuencia según el tejido al que pertenecen. Cuando las células dejan de funcionar correctamente, su radiación se ve alterada, influenciando así a todas las células circundantes. Mediante la aplicación de ondas electromagnéticas del color apropiado, se consigue penetrar en el interior de los tejidos de manera no invasiva y restablecer el equilibrio del sistema, sin los efectos secundarios asociados a los fármacos.
EL ROJO
Es el color más absoluto de cuantos pueblan nuestra retina. Es el color de la sangre, de la guerra y de los mártires, pero a la vez es el color de la pasión y símbolo de salud. Rojas son las revoluciones y las enseñas que denotan valentía, pero también las rosas que se ofrecen en señal de amor.
Es un color muy vinculado a las celebraciones, en diferentes culturas, En la iconografía cristiana simboliza el poder que vence a las fuerzas del mal. De ahí que el rojo este presente en las Navidades y en festividades como Año Nuevo, y sea el color propio de los amuletos como el rubí o el coral.
En muchas culturas es el color con que se visten las novias, ya que se asocia al principio femenino y a la fertilidad. Antiguamente el rojo se asociaba con la nobleza, ya que las dificultades en la obtención de este pigmento ponían las telas rojas al alcance solo de unos pocos. Todavía hoy, una alfombra roja parece elevar el rango de quien la pisa o subrayar la trascendencia de los pasos que está dando (las alfombras de los altares, la alfombra roja en la entrega del Oscar)
El rojo tiene un reconocido poder excitante. Rojos son los coches deportivos y las prendas y cosméticos más provocativos. Es símbolo de peligro, tanto en la naturaleza como en la señalización de los semáforos y luces de freno.
Parece que es el primer color que percibe el cerebro humano y, por ello, suele ser el favorito de los niños. Debido a su excelente visibilidad, es el color mas empleado en las banderas y en marcas comerciales, para fomentar el consumo de productos.
EL NARANJA
Es el color de los cítricos. Se trata de un color muy vivo, al que se reconocen efectos estimulantes. Está presente en gran cantidad de alimentos y resulta especialmente “apetitoso” ya que se relaciona con el tono que adquieren los alimentos tostados. Como sucede con un vaso de zumo de naranja.
La denominación del color naranja va ligada a la introducción de la fruta en Europa a mediados del XVIII. Antes no existía una palabra específica para el color naranja, por eso a las personas con el pelo naranja se les denomina “pelirrojos”.
Es un color presente en la tierra, en gran cantidad de elementos minerales y piedras semipreciosas: el ámbar, el topacio…
Es el tono que caracteriza a la célebre AYERS ROCK , en el desierto central de Australia. La gran cantidad de hierro presente en la piedra arenisca que la constituye es la causa de esta coloración y sin embargo aunque es un color típicamente de tierra, se manifiesta en todo su esplendor en los cielos del atardecer que se tiñe de mil matices de naranja.
Las flores y las frutas de este color destacan mucho sobre el color verde de las hojas. Debido a su vistosidad, el naranja se utiliza frecuentemente en elementos de señalización vial, publicidad y envoltorios.
EL AMARILLO
Es un color luminoso y optimista, asociado con la energía de la radiación solar y con los reflejos del metal más noble y venerado: el oro. Amarillo era el manto de Helios, dios griego del sol, que surcaba los cielos en un carro luminoso. Fue el color preferido de Vincent Van Gogh, ya que al combinarlo con su complementario, el azul, conseguía dar a sus cuadros un efecto de plenitud y alegría de vivir meridional.
En China el amarillo se asocia al YANG. En toda Asia se considera el color de la alegría, poder y sabiduría. Solo a los emperadores y a los monjes budistas les estaba permitido vestir la túnica azafrán. El amarillo también es portador de infortunios y símbolo del ostracismo, hoy es todavía el color mas evitado en el ambiente teatral, y a mediados del siglo XIX llego a prohibirse su uso en las vestimentas sacerdotales
Las tonalidades amarillas abundan en la naturaleza; en los trigales, en la coloración del follaje de otoño y en muchas flores y frutas. En pintura, el amarillo de los pigmentos arcillosos aparece por primera vez en las cuevas de LASCAUS hace 17.000 años. El amarillo ocre se utilizaba mucho en Egipto para reproducir las tonalidades de la piel en las pinturas murales.
Es un buen remedio pintar de amarillo las habitaciones que dan al norte ya que se contrarresta la frialdad de la luz natural.
EL VERDE
Es por excelencia el color de la vegetación, gracias a la clorofila contenida en las hojas. La abundancia del verde en primavera hace que se convierta en símbolo de renovación y de renacer después del invierno, y por lo tanto es el color de la esperanza.
Por su parecido a los tonos de la naturaleza, tiene efectos sedantes sobre la vista y sobre el ánimo. No hay nada como un paseo por el bosque para relajarse.
El verde esta especialmente cargado de significados en el mundo árabe. Es el color predominante en el Paraíso Islámico; el preferido por Mahoma y por los habitantes del desierto. Por esto muchas de las banderas de los países árabes son o contienen este color en gran medida.
También en el Antiguo Egipto, el verde tenía connotaciones positivas. Las mujeres se pintaban los párpados con malaquita triturada.
Como contrapartida, el verde se asocia con lo venenoso y no nauseabundo. Es ajeno físicamente, solo los reptiles y anfibios presentan este color natural. La enorme toxicidad del arsénico con que se elaboraba el pigmento verde esmeralda, hasta los sintéticos, contribuyó a esta fama. También es el color de los celos y de la envidia.
El verde es el color elegido por los ecologistas. En publicidad está asociado a los productos respetuosos con el medio ambiente.
EL AZUL
Es el color de nuestro planeta, puesto que azules son el cielo y el agua. El azul es tan abundante en los cielos y en los mares como raro en la tierra. Solo algunos minerales y flores presentan esta coloración de manera natural.
Es un color frio, al que se supone también un efecto melancólico. Se asocia con lo divino y lo espiritual.
Es la iconografía cristiana, simboliza la fidelidad y la pureza. Azules son los mantos con que se representa a la Virgen en el Renacimiento y azules son también los lazos o ligas que tradicionalmente llevan las novias el día de su boda.
El azul era un color muy utilizado ya en Egipto, tanto para representar a un rio sagrado, el Nilo, como en orfebrería. El lapislázuli, combinado con el oro, abunda en las joyas de Tutankamon. Documentos de la época demuestran que la cantidad de azul que debía emplearse en un cuadro era establecida de antemano por el que encargaba la obra, quien, de este modo, daba muestra de su poder adquisitivo.
Desde la Edad Media, el azul oscuro ha sido el color con que se han vestido los trabajadores. Mientras que la nobleza, haciendo alarde de su superioridad económica, prefería vestir prendas rojas o de colores delicados, el tinte índigo era relativamente fácil de conseguir y asequible para las clases populares. Los pantalones vaqueros también tienen su origen en las prendas sufridas y resistentes, destinadas a los buscadores de oro.
EL VIOLETA
Aquí se engloba toda una gama de colores con grandes diferencias de matiz. Se encuentra entre el rojo y el azul, tiene varias denominaciones en función de su intensidad: lila o púrpura, malva rosado, magenta, lavanda, dependiendo de su color dominante.
Es el color con menor longitud de onda del espectro, en el umbral de lo visible. La luz violeta es la que posee mayor energía y se utiliza para activar mecanismos fotoeléctricos.
En la naturaleza se encuentra raramente y cuando aparece, lo hace de manera exuberante, como reflejo irisado en una mariposa emperador o en el plumaje de un pavo real. También la visión y el aroma de un campo de lavanda no deja de ser espectacular.
Tanto la denominación violeta como sus variantes “malva”, “fucsia”, “lavanda” o “lila” se han tomado prestadas del mundo vegetal. La palabra “púrpura” proviene de un molusco.
En la simbología eclesiástica, el purpura representa la pasión de Jesucristo, probablemente por tratarse de una mezcla de rojo (sangre) y azul (resurrección). Por esto es el color de las vestiduras sacerdotales durante la cuaresma. También ha sido adoptado como enseña de los movimientos feministas.
Los malvas fueron tonos muy populares durante los años treinta y actualmente estas tonalidades se han vuelto a imponer con fuerza en la decoración de interiores. Si se combinan con tonos cálidos aportan un toque sofisticado y relajante en los ambientes.
miércoles, 27 de abril de 2011
JAUME PLENSA
JAUME PLENSA
Ahora que estamos con los trabajos en Fundamentos de Escultura, cotilleando en internet, he encontrado a Jaume Plensa, escultor español, que utiliza los espacios públicos para mostrar su arte.
En este documental se pueden ver dos de sus últimas obras:
“Crown Fontain” – Innovadora y espectacular FUENTE INTEREACTIVA , ubicada en Chicago
"Dreams” – Pieza de mármol de 20 metros de alto y 500 toneladas que está ubicada en St. Helens, una ciudad británica. Es la cabeza de una mujer con rasgos ZEN, cuyo cuello y cabeza, estiradas como las mujeres de Modigliani, está situada en un parque de árboles.
No dejéis de ver el documental, es impresionante, es un artista español reconocido internacionalmente y lo tenemos bien vivo, o sea un honor para los españoles.
He intentado subir el vídeo pero no me deja porque es muy pesado, o sea que os dejo el link.
He intentado subir el vídeo pero no me deja porque es muy pesado, o sea que os dejo el link.
jueves, 7 de abril de 2011
ANTONIO LÓPEZ
Para quien no lo sepa el GRAN pintor ANTONIO LÓPEZ estuvo en nuestro campus de Aranjuez la semana pasada.
Claramente pinta la tradición realista española y la pinta con un realismo (valga la redundancia) que me pone los pelos de punta.
Nunca pensé que lo tendría tan cerca y que al mismo tiempo él fuese tan cercano.
"LOS NOVIOS"
He podido escuchar de su boca como corregía, sin corregir, un cuadro de un compañero, con que cariño y con qué sabiduría de pintor. El cuadro estaba copiado de una foto y se lo dijo nada más verlo, que los cuadros hechos de fotos son muy estáticos aunque parezcan tener movimiento , que estaba muy bien pintado pero que le faltaba ese realismo que se consigue cuando tienes la composición delante para poder pintarla.
"MUJER EN LA BAÑERA"
Antonio López comenzó a los 12 años a dibujar junto a su tío (Antonio López Torres) reproducciones de pinturas del siglo XIX copiadas de una revista. Gracias a la insistencia de su tío, Antonio se traslado a Madrid para estudiar.
"LA MUJER DE COSLADA"
Por primera vez con 13 años visito el Museo del Prado, donde por fin pudo ver las obras de los grandes pintores sobre todo le llamaron la atención los de Velázquez ya que estaba acostumbrado a las obras luminosas de su tío y las de Velázquez le parecieron oscuros y demasiado grandes.
"CUARTO DE BAÑO"
En una conferencia pronunciada en el año 2006 Antonio confeso su sentimiento y pensamiento sobre la enseñanza de las Bellas Artes: “Se encuentra en un momento de crisis profunda, porque hasta hace poco la pintura era abstracta o figurativa pero ahora hay nuevos medios de contar las historias” .
Antonio piensa que el arte es diferente a otra ciencia, porque en el arte no se sabe que hay que transmitir ni como transmitirlo, ya que existen muchos caminos verdaderamente interesantes e importantes. Confesó no tener el temperamento suficiente para defender su trabajo.
"LOS NOVIOS"
Es difícil comenzar a dar clase en la facultad de BB.AA actuar porque cada alumno buscara dedicarse a otro tipo de arte, y en ese sentido dice “de que le sirve a un joven hacer muchos desnudos cuando lo que quiere es dedicarse a otro tipo de arte”. LA DUDA COMO SOLUCIÓN.
Opina que el mejor pintor de su región natal es Zurbarán y Eugenio Hermoso (de este último fue alumno) .
He incluido un vídeo corto para no aburriros. He encontrado muchos y muy interesantes sobre este artista, y me ha costado mucho elegir uno como resumen.
Su obra tiene una gran influencia de Salvador Dalí, del gusto por la realidad y el dibujo como superioridad sobre la pintura. Los protagonistas de sus cuadros son los objetos y la vida cotidiana, la temporalidad y el deterioro de lo material.
En 1975 pinto “Vuelo sobre la Gran Vía” durante varios veranos, le parecía algo surrealista . 30 años después ha vuelto a pintarla desde 6 puntos diferentes. No le atrae pintar New York o Roma o Atenas, no echa de menos su caballete cuando viaja, pinta las ciudades con las que tiene un vínculo.
"LA GRAN VÍA"
"LA GRAN VÍA"
He encontrado un artículo de EL PAÍS, que no voy a repetir, pero dejo el link, pero que me ha parecido muy interesante para conocer a Antonio López como persona y como pintor.
Todas sus obras son de estilo hiperrealista, con tanto detalle que podríamos definirlo como fotográfico. Pero cuando estaba mirando las fotos en internet para poner en esta recensión he encontrado dos cuadros de flores que son de influencia IMPRESIONISTA. Si no los hubiese encontrado con el nombre de Antonio López habría pensado que eran de Gustave Caillebotte, Berthe Morisot, Ernest Quost o algun artista de los comienzos del impresionismo.
"LA ROSA" de Antonio López
"FLORES DE LA MAÑANA" Ernest Quost
"LIRIOS Y ROSA" Antonio López
En 1985 fue galardonado con el premio Príncipe de Asturias y en 1993 fue nombrado miembro de la madrileña Real Academia de San Fernando, de la que fue profesor.
Durante el verano del año pasado , pintó en la plaza mayor durante 1 hora y media cada tarde... me parece que tiene un mérito espectacular.
Me gustaba Antonio López, me gusta Antonio López y me seguirá gustando Antonio López, no voy a decir que es el mejor pero es de los mejores pintores españoles vivos, que ojalá tengamos la suerte de poder seguir disfrutando de él durante muchos, muchos años.
Toda la información la he conseguido en :http://www.antoniolopezgarcia.blogspot.com/
http://www.artespain.com/
http://www.elpais.com/
Las fotografías están sacadas de internet.
Este blog es didáctico, de un alumno de Bellas Artes.
sábado, 26 de marzo de 2011
CONVERSACIONES CON MARCEL DUCHAMP - de Pierre Cabanne
CONVERSACIONES CON MARCEL DUCHAMP
Son varias conversaciones que Marcel Duchamp tuvo con Pierre Cabanne (el autor de este libro) .Tuvieron lugar en 1966 cuando le faltaban pocos meses a MD para cumplir los 80 años, por lo tanto es un resumen de su trabajo y vida como anti-artista (denominado así por varios periodistas y también por el mismo).
El libro está dividido en V capítulos pero todos están relacionados. Es la historia de su vida como persona y artista y hay que leerlo para entender la personalidad de este “extraño” personaje.
Por tanto como el resumen sería muy complicado y muy extenso (todo lo que dice me parece interesante, aunque yo realmente no estoy muy en consonancia con sus pensamientos ). Como he dicho me parece un personaje muy excéntrico sobre todo para haber vivido en su época. Ahora seria alguien normal que no llamaría la atención, pero imagino que en su época rompió todos los moldes, los que existían y los que no se conocían.
André Bretón dijo de él que fue el hombre más inteligente del siglo XX , pero para mucho el más molesto a lo que él respondió que para el la inteligencia “es la penetración de aquello que es incomprensible o difícil de captar por el hombre medio” .Y molesto por no seguir la corriente del momento.
Comenzó su carrera con la pintura (25 años pintando) para después romper de una forma drástica y no volver a tocar un pincel después de esos 25 años. Paso por el Fauvismo , el Cubismo , el Futurismo (Dulcinée, cubismo con interpretación libre ) el Ready-made (según MD es la carencia total de buen o mal gusto) y el Dadá ( antiarte, lo absurdo de la técnica, de las cosas tradicionales) . Le preocuparon los problemas de la luz como atmosfera, no como fuente luminosa, y pinto algunos cuadros con luz de gas, que cuando se pinta con luz verde y se mira al día siguiente a la luz del sol todo es mas malva y más gris (Cubismo del momento en el que era más fácil de obtener una disminución de los tonos, una grisalla).
Fue rechazado en muchas ocasiones de la Ecole des Beaux-Arts , en esta entrevista afirma que este rechazo le ha servido durante toda su carrera porque todos los que hacen BELLAS ARTES son unos ignorantes.
Le gustaba Matisse pero no Cezanne. Seurat era ignorado pero era mejor que Manet. Conoció a Picasso y a Apollinaire pero su relación con ellos fue escasa, no le parecía que Picasso fuese un pintor excepcional, aunque si le impresiono el cubismo de Metzinger y no tanto el de Picasso. Nunca le preocupo demasiado comunicar con el público, se sentía incomodo con los periodistas. Su mejor amigo fue Picabía. Le gustó la pintura surrealista ya que estaba adherida a lo que existía, o sea, la abstracción ( admiraba a Miró, Max Ernst y Chirico por su conceptuosidad)
Durante muchos años le preocupo la idea del movimiento y el desnudo, de ahí surgió “ Nu descendant un escalier” ( Desnudo bajando una escalera) , interpretación cubista de una formula futurista.
DESNUDO BAJANTO UNA ESCALERA
La obra Broyeuse de chocolat de 1914 , fue la ruptura con el contacto tradición pintura-pictórico .
Trabajo durante 8 años en, Le Grand Verre ( El Gran Cristal ) mientras trabajaba en otras cosas pero ya había abandonado la tela y el bastidor para siempre. Básicamente habla durante todo el libro de sus vidrios (grandes, pequeños etc...) , la perspectiva se convirtió en algo científico y matemático, y muy preocupado por los problemas técnicos y la cuarta dimensión ( invisible para el ojo ).
BROYEUSE DE CHOCOLAT
Llego un momento en el que abandono todo tipo de actividad artística para dedicarse totalmente al GRAND VERRE. Que finalmente abandono por aburrimiento después de un trabajo de 8 años......
LA GRAND VERRE
Con su primer ready-made (In Advane of the Broken Arm – pala de nieve con una frase escrita) utilizo inscripciones grabadas que resultan incomprensibles. En 1916 presentó en una exposición su FOUNTAIN ( urinario) , que fue NO ADMITIDO y que después de la exposición apareció detrás de una pared. Según MD fue algo bastante provocador.
Durante una época ( más o menos 4 años) se interesó por el cine y por la óptica. Hizo un efecto visual con espirales o círculos concéntricos para divertirse, lo que más le intereso fue que se trataba de un fenómeno científico.
He tenido que cortar el resumen porque no blooguer no me deja poner mas palabras, pero recomiento leer el libro , es entretenido, fácil de leer y terminas conociendo bastante el pensamiento (bajo mi punto de vista bastante loco y excéntrico de Marcel Duchamp) . Me impresiona que a principios del siglo XX existiesen artistas como MD que se reía de su propia sombra y de la de los demás.
Os dejo un VÍDEO interesante ( aunque un poco largo ) que no he podido descargar pero que es el resumen de su vida y su obra.
Aqui teneis otro un poco más corto y mas facil de ver que habla sobre su urirario y su escurrebotellas.
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