MEDALLA 

Medalla realizada con plastilina especial. Esta medalla se puede reducir y fundir en el metal que se desee. 

GRABADO CON PLANCHA DE LINÓLEO - Yunquera de Henares

El primer grabado está realizado con plancha de linóleo y entintado en marrón. 

El segundo grabado está realizado con dos planchas, una de madera y otra de linóleo.

YUNQUERA DE HENARES

GRABADO EN RELIEVE 

Este fue uno de los ejercicios de Grabado en Relieve ; COLLOGRAPH. 

La técnica es gofrado y relieve . 

COLLOGRAPH 

Es una fusión entre collage y grafía. Este término se utiliza desde 1950 por el artista Glen Alps (profesor de la Universidad de Washington- Seatle). Las planchas de colografía se crean a modo de collage; recortando y pegando papel o cualquier otro elemento con textura, que no supere los 2 mm , sobre un soporte de cartón o madera, es mejor que el soporte sea rigido. Esta plancha se imprime utilizando los métodos de grabado y del relieve. 

Reciclando en rojo 

Reciclando en púrpura

MODELADO CABEZA Y BUSTO

PRIMER EJERCICIO DE ESCULTURA DE SEGUNDO CURSO. NO ME SALIÓ TAN MAL........

CORNELIS ZITMAN

Cornelis Zitman, escultor holandés, nos ha deleitado con su  exposición       ¡ ARRIBA el TELÓN! , en la sala 3 del Conde Duque (perteneciente al área de Las Artes del Ayuntamiento de Madrid) desde el 10 al 16 de octubre de 2011. Este espacio ha estado en rehabilitación durante 6 años y esta ha sido la primera exposición que ha abierto la temporada de muestras.

Ha sido comisariada por Carlo Armas Ponce, que a su vez es el representante de Zitman en España.

Las obras proceden del Museo Beelden Aan Zee (La Haya), del Museo Maillol (París) y de colecciones particulares y privada del artista.

La exposición está compuesta por 103 esculturas, la mayoría en bronce, un óleo de 1946 (su obra más antigua) y algunos dibujos.

A sus 21 años se afincó en Venezuela, primero en la isla de Granada durante tres años y más tarde se traslada a Caracas y establece su taller en un antiguo molino de caña de azúcar. Starreveld fue su maestro, del que aprendió la técnica de la fundición.

Zitman ha creado un universo femenino, básicamente como único personaje; la mujer, inspirado en la población nativa de Venezuela. La mayoría de las esculturas son de bulto redondo, es decir, son obras aisladas y visibles desde todos los ángulos y que pueden ser rodeadas por el espectador. La temática es siempre la misma, la mujer criolla vista desde diferentes puntos de vista.

Opino  que hay dos formas de visitar las exposiciones; una es asistir sin tener ninguna idea preconcebida de lo que se va a visitar, sin información a priori y la otra es analizar las obras con una información que ya conoces. En este caso, opté por no buscar información de quien era Zitman ni como era su obra.  Me sorprendió gratamente porque esperaba ver algo que no sería capaz de traducir ni interpretar y cuál fue mi sorpresa al encontrarme con unas ESCULTURAS ESCULTURAS (no es un error la repetición , simplemente quiero dejar constancia que para mí la escultura es esto y no el amasijo de basura, clavos y desechos con los que últimamente nos deprimen los escultores) ,  que hablan por sí solas, sin necesidad de mirar las cartelas para saber qué es lo que estaba observando, simplemente me deje llevar de una a otra, con un grato aumento de la complicidad que respira cada una de las piezas.

Posteriormente he investigado sobre su obra y su trabajo y cada cosa que he aprendido me ha gustado más que la anterior, me parece un escultor muy especial, que ha podido tener como referentes a Giacomo Manzú por ejemplo, pero que su idea y concepto son diferentes a cualquiera.

Es una escultura figurativa, moderna pero conservadora, lo que ves es lo que hay, nada escondido en el aspecto formal  (la mayoría vaciados en bronce) , pero todo un Universo en el aspecto conceptual. Ha creado sus propios personajes que los hace llamar “zitmanianos”, llenos de vida y movimiento, incluso me pude permitir adivinar lo que estaban pensando. Mujeres criollas representadas, algunas en su contexto habitual y otras con elementos diferentes a su clase social o casta.

Como dijo Yolanda que las exposiciones en España están hechas para comenzar el recorrido por la derecha, tuve la primera intención de comenzar por la izquierda, pero realmente me sentí incomoda, por tanto volví a la racionalidad española y comencé por la derecha. En un espacio semi-cerrado estaban las primeras obras de formato pequeño (ciclista, familia con bicicletas etc), supuse que el espacio era semicerrado por el tamaño de las esculturas, para que no pareciesen tan pequeñas.

El siguiente espacio era diáfano, solo separado por columnas y comenzó el recorrido de las esculturas de tamaño medio, dejando ver al fondo las de gran tamaño, que te tentaban a adelantar el recorrido. Fui paciente y vi todas con mucha calma y detalle, “Baño de sol”, “La peluca”, “Mujer a la barra”, “Salón de belleza” “El columpio”, “Dina a la guitarra” etc. Todas con rostro indígena, cuerpos deformes, con vientres exagerados y brazos y piernas delgados, que no parecen pertenecer al mismo cuerpo, pero siempre sensuales, la mayoría de las veces con poses y objetos que no pertenecen a su clase social sino a un mundo especial casi cómico, una somera crítica a las castas existentes en Venezuela entre blancos, mestizos, mulatos y zambos. Me transmitieron muchas emociones, parece que Zitman quiere explicar y a la vez ocultar a través de estas esculturas. Son mujeres reales, con redondeces y vientres abultados, no los estereotipos de mujer de la sociedad actual.

Familia con bicicletas

Ciclista

Baño de Sol                                                                                                Mujer a la barra

La mayoría de las piezas están presentadas sobre peanas blancas, un poco más bajas que la mirada de mis ojos. La iluminación era suficiente, excepto en algunas piezas como “El pescadorcito”, que la iluminación iba  dirigida a los pies y parte de las manos pero dejaba muy en sombras el rostro y la mitad del cuerpo. No sé cuál era el peso de las esculturas, supongo que mucho por el tipo de material utilizado, pero la mayoría parecían ligeras, seguramente porque la superficie que apoya en las peanas es muy pequeña, en la gran mayoría de ellas.

Y al fondo las esculturas de dimensiones más grandes como “La gran holandesa”.

En general las cartelas escuetas, solo mostraban el nombre de la obra, el material, la fecha de realización y a quién pertenecen, pero me parecieron suficientes.

La información sobre esta exposición era bastante clara, entregaban un díptico, sobre la obra de Zitman, y un políptico, este último sobre toda la programación de exposiciones de octubre, noviembre y diciembre, pero lo más curioso es el espectacular catálogo que vendían por solo 6 euros.

Toda la obra me ha gustado, impresionado, me ha hecho reflexionar,  pero en particular hubo dos obras que me llamaron más la atención;

“Luna” 1992, y todos sus bocetos en escayola o resina epoxi. La sensación es de ligereza,  a pesar del volumen de esta pieza.

“Cama grande” 1970 , una cama destartalada, la protagonista de rodillas hinchadas por la pobreza, el cansancio y el dolor, el cuerpo contrahecho,  el sexo abultado y prominente . Descansando o esperando la próxima visita..... Zitman dice que lo que le llevo a hacer la escultura fueron las indias que hacían las labores de la casa, pero mi primera lectura fue sobre la prostitución.

“En la vida social caraqueña de los años 50, era habitual salir a reuniones, noches mundanas, cocktails. Eran clases sociales acomodadas, intelectuales, burguesas, que recibían calurosamente. Siempre tenían unas indiecitas que hacían todas las labores de la casa y nos ofrecía una bandeja de aperitivos con una educada sonrisa.

Un día me perdí en una de esas casas y abrí la puerta de la habitación de una de las sirvientas. El cuarto estaba vacío, sólo una cama amueblaba el reducido espacio. Imaginar la vida de esas pobres indias fue lo que me llevó a hacer la Cama pequeña y después la Cama grande” Cornelis Zitman

FLAMENCO

Algunos compañeros de segundo curso, bajo la tutela de varios profes del Ces Felipe II , vamos realizar una exposición colectiva  en la Casa de Córdoba de Madrid. La inauguración será este próximo sábado 22 . Estais todos invitados.

Este es el cuadro que voy a presentar

En-sueños de la luna

JOSE LUIS CORELLA

Os dejo este enlace que es IMPRESIONANTE , evidentemente nunca voy a pintar asi, pero hay que intentarlo.


http://joseluiscorella.wordpress.com/2009/04/10/imagine/

Mis PA-llock

Me pareció muy interesante hacer mis propios armillados, y este veranito hice nada más y nada menos que TRES, entelados, con su aparejo y con todo lo que nos enseñó nuestra profe de Fundamentos de Pintura..... me parece muy divertido , aunque un poco sucio. No tiene nada que ver con los comprados.

Bueno pues aprovechando que estaban hechos me divertí mucho más . Al más puro estilo Pollock , me compré pinturas industriales , empapelé un patio (el del pueblo) con cartones para no manchar demasiado y a  divertirme con el dripping . Es genial, creo que no he hecho un cuadro tan facil y tan divertido nunca, sobre todo porque no era obligatorio, nadie me lo había mandado y no tenía fecha de entrega jejeje.

Este fue el resultado y le gustó tanto a mi hija que los tiene de cabecera en su habitación . Son diferentes, quería comprobar el resultado con poca pintura y con mucha pintura.

SOMBRA E ILUSIÓN

Exposición de alumnos de último curso Escuela Municipal de Artes y Oficios de Las Rozas

Acrílico sobre tabla

Acrílico sobre tabla

Escultura con luz proyectada para hacer luces y sombras

Fotografía con luces y sombras

Cajas de cartón con diversas incisiones y detrás una luz

Caja de luces

Fotografía de luces

Pintura

ANTONIO LÓPEZ

Retrospectiva de ANTONIO LÓPEZ en el Museo Thyssen , IMPRESIONANTE , no os la perdais.

DIBUJO

Érase una vez una alumna de primer curso de BBAA que no sabía ni coger el lápiz para hacer un dibujo, y cuando comenzamos Fundamentos de Dibujo casi me da un infarto cuando vi los dibujos de los alumnos del año anterior.

Estuve a punto de dejar la asignatura ya que , como dice Rubén , yo solo dibujaba pin y pon porque todos los dibujos que hice al principio se parecían más a los pin y pon que a una persona.

Bueno después de 9 meses de dibujar, con un profe genial , esto es lo que he conseguido. Evidentemente no son los mejores de la clase pero el esfuerzo ha servido de algo.

TRABAJO DE CARGAS

El último ejercicio de Fundamentos de Pintura era de "CARGAS" . El tema era libre, siempre que tuviesemos en cuenta "El bodegón".
Se podían utilizar cualquier tipo de cargas, polvo de marmol, piedra de marmol, hierro, madera, metales etc....

La realización era sobre el armillado que tuvimos que fabricar hace algunas semanas.

Yo he utilizado madera, chinchetas, tela y una carga de bolitas que he mezclado con acetado de polivinilo y pintura acrílica blanca.

TALLANDO

El dia 12 de mayo fue la inauguración de la muestra de escultura, protagonizada por seis de nuestros profesores de la Universidad CES Felipe II de Aranjuez.

El título de la muestra se llama TALLANDO y estará expuesto en la Glorieta de Rusiñol en Aranjuez hasta el día 12 de junio.

Todos los escultores han trabajado con la misma piedra, un cubo de 70x70x70 de mármol Travertino, gracias a la aportación de la cantera Cristóbal Flores S.L.

El objetivo ha sido fomentar entre los alumnos de Bellas Artes la talla directa en piedra; analizar posibilidades plásticas del travertino, su versatilidad, textura y cualidades plásticas. Todas las tallas han sido creadas en el mismo taller donde trabajamos todos los alumnos.

Cada autor ha tenido diferentes visiones: líneas puras, obras que remiten a un pasado imaginario, visiones oníricas, obras sobre la observación de la realidad etc.

Aquí os dejo las fotos de todas con sus autores.

COM-PORTAR

Chus Hita

LE CUBE (HOMMAGE)

Javier Mañero

ORACULA

Aris Papagueorguiu

APARIENCIAS

Antonio Vigo

LA NUBE BAJANDO LA ESCALERA

Marta Linaza

ERA UNA PIEDRA QUE QUERIA SER ENCINA

Ana Balboa

GEMA GOIG - TRAVESÍA

Licenciada en Bellas Artes y profesora de Grabado en la Universidad  Complutense de Madrid.

Su obra está expuesta en la Sala Maruja Mallo en las Rozas (Centro Cultural Pérez de la Riva) desde el 13 de abril hasta el 11 de mayo.

Pude conocerla el día de la inauguración y me gustaría haber hablado con ella, pero estaba muy ocupada con sus invitados y no pudo responder algunas preguntas, que como estudiante, me gustaría haberle hecho. Otra vez será.

Su obra está compuesta de una serie de acrílicos sobre tabla y algunos sobre tela. Su tema es infantil pero como metáfora del comportamiento humano adulto.

"Juegos" - acrílico s/madera

"El planeta fortificado" - acrílico s/tabla

"De castillos y palacios" - acrílico s/madera

"Jumping horse riding" - acrílico s/madera

"Rosebud" - acrílico s/madera

"Dutch dolls I" - acrílico s/lienzo

"Construcción SUTNAR" - acrílico s/tabla

“Este cruce de temperaturas erradica lo ingenuo y asienta una sutil ironía que, en ultima instancia, procede de los grandes cuentos de la tradición anglosajona. Fue Baquero Goyanes quien formulo un concepto diferencial del cuento con respecto a otros modos narrativos al definirlo como “un modo de intensa campanada lirica”, un acorde sentimental concentrado en un punto de intensidad emotiva. Gema Goig asume esta estructura y la traduce en imágenes rotundas, asentadas en espacios diáfanos pero matizados con una amplia gama de ritmos texturales y calidades de variada intensidad” . C. Delgado

Utiliza mucho las veladuras en los fondos, colores vivos, pero los cuadros no me resultaron alegres y tampoco infantiles, supongo que esa es la intención. Ha incluido en algunos de ellos transferencias y hay algunas texturas que parecen hechas con mucha carga pictórica húmeda y retirada de una forma sutil con un papel o similar. La tecnica es muy aguada y por lo tanto en muchos se ve la trama de la tela. Los fondos están pintados sobre fondo oscuro y con veladuras de colores más claros.

MARÍA ANDUEZA – INSTALACIONES SONORAS EN ESPACIOS PÚBLICOS

María Andueza es doctora en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid. Ha realizado una tesis sobre instalaciones sonoras en el espacio público.

Hoy ha venido para hacer una ponencia a nuestro  Campus de Aranjuez CES Felipe II de la Universidad Complutense de Madrid.

El arte sonoro se sitúa entre el arte y la música, pero tiene mejor acogida en lo teórico del campo de la música. Para ello parte de un neologismo, lo antianecoico, para describir un espacio, el de nuestras ciudades, un espacio urbano y social que suena y reverbera sin intención pero puede hacerlo también con ella.

Cámara anecoica – Nada que ver con lo artístico, son cámaras aisladas del exterior y constan de parees cubiertas de cuñas construidas de materiales que absorben el sonido y aumentan la difusión del escaso sonido que no se absorbe.

John Cage visito la cámara anecoica de la Harvard University , entro esperando escuchar el silencia, pero escucho dos sonidos, uno alto y uno bajo. El alto resultó ser su sistema nervioso y el bajo la circulación de su sangre. El sistema nervioso no hace ruido, en realidad lo que escucho era el típico zumbido agudo que escuchamos en ausencia de sonido llamado TINNITUS.

Por eso el arte sonoro es antianecoico, toman la ciudad como algo diferente y contrario. Cuando pensamos en el sonido y en la ciudad ya no depende de nosotros sino de la misma ciudad. El arte sonoro no depende de lo que el artista haya hecho, depende de las reacciones que surgen en los paseantes de la ciudad.

La ciudad suena (Sound Transit – paisajes sonoros) www.turbulence.or/sountransit

Se trata de una base de datos en la que podemos subir nuestras propias grabaciones de campo o escuchar el sonido de un viaje desde Madrid a China  (por ejemplo) con todos sus lugares intermedios. Toda esta sonoridad está compuesta de un cúmulo de información que nuestros oídos necesitan y a los que nuestros oídos saben dar prioridad y también un valor.

¿Dónde surge el arte público sonoro?

- El Arte Sonoro: “Es un concepto artificial que surge como una necesidad de definir

todo lo que no cabe dentro del concepto música. De acuerdo a la definición de John

Cage de la música (sonidos organizados en el tiempo), el arte sonoro sería música. El

Arte Sonoro tiene que ver en general con obras artísticas que utilizan el sonido como

vehículo principal de expresión, que lo convierten en su columna vertebral”

Uno de los primeros empleos del termino de arte sonoro que ha quedado documentado, fue en la muestra realizada en 1983 que se denomino SOUND/ART, exhibía en The Sculptur Center de New York. La conjunción del sonido y de la imagen insiste en la implicación del espectador, forzando su participación en el espacio real y concreto.

Hay 4 figuras fundamentales del arte público sonoro.

MAX NEUHAUS

Considerado el padre del arte público sonoro. Un reconocido intérprete de música contemporánea (percusionista) y se convirtió en el primero en extender el sonido como un medio autónomo en el dominio del arte contemporáneo.

¿Por qué limitar la escucha a la sala de conciertos?  ¿Por qué no simplemente llevar a la audiencia fuera y hacer una demostración en el exterior? En 1967 hace su primera instalación sonora y el que acuña el término y también es él quien deja de utilizarlo, lo abandona porque hay mucha gente que empieza a hacerlo y para él pierde el valor primero.

Siempre trabajó de forma anónima  porque quería que la gente descubriese la obra sin saber el autor. No quería que la gente fuese a ver su obra sabiendo quien era. Una obra no se mira de igual forma si ya se conoce y existe la predisposición. 

Instaló una bocina de altavoz en una rejilla del metro en Times Square (N.Y) en 1977, las corrientes de aire y la frecuencia alteran el sonido y este cambia constantemente.

Time Piece Graz 2003 – Austria. Consiste en eliminar después de haber creado. Un sonido desde cero, con elevación de volumen progresiva, del cual no nos damos cuenta de que existe hasta que no lo quitan. Cuando desaparece descubres el espacio urbano. Inventó un despertador con esta técnica. Falleció en 2009.

BILL FONTANA

Trabaja muy cercano a las instituciones, siempre tiene muchos medios. Trabaja la instalación sonora con la idea de monumento. En

Panoramic Echoes – 2007 N.Y – Madisson Square.

Coloca alrededor de la plaza unos altavoces con sonidos de pájaros y campanas , como representación de la llegada de la primavera. Todos los transeúntes escuchan el sonido extraño y esto desencadena una actitud diferente del paseante. Con el sonido puedes hacer que el espacio visual busque el lugar del sonido y despierta la curiosidad, en un contexto diferente adquieren una nueva dimensión.

CRISTINA KUBISCH – Electrical Walks

Trabaja con los sonidos ocultos que no se escuchan en la ciudad, sonidos desconocidos, de los aparatos electrónicos. Utiliza unos cascos especiales que amplifican las ondas y se puede escuchar el sonido de la iluminación, de los cajeros automáticos etc...

Hace una relación entre el que escucha (con los cascos) y el que no lo escucha... una relación de poder. Arte público sonoro pensado desde el espacio público NO SONORO.

PETER ABLINGER –

La ciudad como laboratorio que acoge experiencias. En la ciudad hay espectadores y ellos son los que pasean y experimentan.

Listening pieces – Son sillas vacías en espacios públicos ,por ejemplo frente al mar, en el centro de una ciudad etc.. . Viendo la fotografía podemos intuir el sonido del mar. Lo sonoro no está reñido con lo visual y desde lo sonoro podemos entender mucho mejor lo visual.

GEORG KLEIN – Sound of the Marl/ Mittle Space 2002 (Marl – Alemania)

El sonido de lo social en espacios públicos semi-abandonados.

En una estación de tren abandonada en Marl, solo los jóvenes la utilizan para pintadas de protesta en general. Localiza a estos jóvenes y trabaja con ellos.  Convierte los grafitis escritos en sonoros. Cada joven graba su protesta y participan en el discurso sonoro. Las grabaciones se escuchan en toda la estación.

MARÍA ANDUEZA

Algarabía 2009 – Vitoria

Instala un sistema auto fónico. 4 altavoces distribuidos en una plaza de Vitoria.

Con similitud a los cantos de los pájaros ( primero llega un trino, luego dos, luego cuatro y así sucesivamente ), María graba 3000 silabas , la orden es que estas silabas salgan, de manera exponencial primero una, después dos , cuatro, ocho etc.... hasta que se forma una auténtica algarabía.

Con Algarabía quiere  que el espacio exterior se convierta en un espacio interior, que progresivamente es espacio se convirtiese en algo cerrado.

Los que se dieron cuenta más rápido fueron los niños y los ancianos, no tanto la gente en general. El arte público sonoro no siempre funciona con todas las personas, solo con algunos niveles.

Residencia de estudiantes – Madrid

Esta instalación se realizo dentro de la copa de un pino con una cúpula enorme justo debajo de la residencia de estudiantes de Madrid, cerca del Museo de Ciencias Naturales.

María trabajo desde la sutileza por estar cerca de la residencia.

E tiempo real, un sonido de arrastrar algo y martillos, los sonidos se escuchan en distintas secuencias  y en algunos casos los sonidos están alargados. Lo que funcionó en esta pieza fue la longitud entre los sonidos ya que sonaban de manera aleatoria.

Lo interesante es ver la reacción de la gente cuando se trabaja en un espacio público.

http://www.mariaandueza.wordpress.com/

“ La obra de arte se convierte en un souvenir que evoca memorias más complejas que el objeto en sí mismo” – Heidi Grundmanm.

Tenemos algunos artistas españoles de reconocimiento internacional como Concha Jerez  http://www.youtube.com/watch?v=z3yyXXA_Ol0

No sabía nada de este arte y me ha impresionado mucho. Seguiré investigando.

VELADURAS CON ÓLEO

El penúltimo trabajo que tenemos que hacer de Fundamentos de Pintura es un bodegón de clase o el que queramos y pintarlo con óleo y con veladuras.
Yo elegí un bodegón de clase, que dentro de lo malo era lo mas bonito que había.
Primero lo dibujamos con carboncillo, que nos ha servido de infrapintura o grisalla.
La primera capa es con mucha esencia de trementina ,que se evapora muy rapidamente, y con poco óleo. Yo elegí los colores tierras y ocres .
En la segunda capa he respetado el blanco del lienzo para las luces. Y luego he incentivado las luces con amarillo.
En la tercera capa le he dado el color a la mesa, pero como no me ha gustado el color que ha quedado le he vuelto a dar otra capa de blanco ( ya se que no se utiliza, pero era la única forma de aclararlo ) y para terminar la mesa le daré con mucho medium una veladura en ocre para que se transparente el blanco de la mesa y veremos que queda........
El fondo tiene una capa de entre marron y naranja y le he dado otra de azul, porque el fondo de la pared lo quiero poner en marron, y queda muy bonitas las veladuras con el azul de fondo y el marron delante.

Todavía me faltan al menos 2 capas, pero ya me va gustando ......
El elemento azul contrasta muy bien con el resto ( sugerencia de Raquel ). Y le he quitado el halo que tenían las botellas porque realmente parecía un "Belén de Navidad".

PSICOLOGíA DEL COLOR

Cromoterapia  

La publicidad y el diseño es el campo donde más se estudia la influencia psicológica del color. Más del 80% de las percepciones humanas proceden del sentido de la vista. Y el color desempeña un importante papel en este proceso.

Se utilizan los colores para que el consumidor identifique el producto, lo asocie con el carácter y las cualidades que busca en dicho producto y finalmente, se sienta inducido a su compra.

Hay una tendencia a utilizar determinados colores en función de los diferentes productos, como cajas de bombones, azules y blancos para los detergentes, rojos para productos excitantes (refrescos y tabaco), por ejemplo el rojo de coca cola o el amarillo de Kodak. Está demostrado que el color puede afectar de forma significativa las reacciones y respuestas de las personas.

Por lo tanto queda demostrada la influencia que ejercen los colores sobre nuestro estado de ánimo. Pero si se usan de forma adecuada, los colores también pueden contribuir a mejorar ciertas molestias físicas, resultando una alternativa totalmente inocua a los medicamentos.

La cromoterapia tiene orígenes muy antiguos. Ya en Egipto se practicaba la helioterapia, o exposición solar, con fines terapéuticos. En India, la medicina ayurvedica siempre ha tenido en cuenta el modo en que los colores contribuyen al equilibrio de los chakras (los centros de energía que se asocian a las principales glándulas del cuerpo). La medicina China ha confiado en la acción beneficiosa de los colores para tratar determinadas patologías hasta el punto que la ropa y cortinas de las habitaciones de un enfermo se llegaban a teñir del color más indicado para combatir su enfermedad.

Estudios científicos demuestran la influencia de los colores sobre el sistema nervioso, inmunitario y metabólico.

El funcionamiento de la cromoterapia se justifica por las radiaciones que emiten las células sanas: de distinta frecuencia según el tejido al que pertenecen. Cuando las células dejan de funcionar correctamente, su radiación se ve alterada, influenciando así a todas las células circundantes. Mediante la aplicación de ondas electromagnéticas del color apropiado, se consigue penetrar en el interior de los tejidos de manera no invasiva y restablecer el equilibrio del sistema, sin los efectos secundarios asociados a los fármacos.

EL ROJO

Es el color más absoluto de cuantos pueblan nuestra retina. Es el color de la sangre, de la guerra y de los mártires, pero a la vez es el color de la pasión y símbolo de salud. Rojas son las revoluciones y las enseñas que denotan valentía, pero también las rosas que se ofrecen en señal de amor.

Es un color muy vinculado a las celebraciones, en diferentes culturas, En la iconografía cristiana simboliza el poder que vence a las fuerzas del mal. De ahí que el rojo este presente en las Navidades y en festividades como Año Nuevo, y sea el color propio de los amuletos como el rubí o el coral.

En muchas culturas es el color con que se visten las novias, ya que se asocia al principio femenino y a la fertilidad. Antiguamente el rojo se asociaba con la nobleza, ya que las dificultades en la obtención de este pigmento ponían las telas rojas al alcance solo de unos pocos. Todavía hoy, una alfombra roja parece elevar el rango de quien la pisa o subrayar la trascendencia de los pasos que está dando (las alfombras de los altares, la alfombra roja en la entrega del Oscar)

El rojo tiene un reconocido poder excitante. Rojos son los coches deportivos y las prendas y cosméticos más provocativos. Es símbolo de peligro, tanto en la naturaleza como en la señalización de los semáforos y luces de freno.

Parece que es el primer color que percibe el cerebro humano y, por ello, suele ser el favorito de los niños. Debido a su excelente visibilidad, es el color mas empleado en las banderas y en marcas comerciales, para fomentar el consumo de productos.

EL NARANJA

Es el color de los cítricos. Se trata de un color muy vivo, al que se reconocen efectos estimulantes. Está presente en gran cantidad de alimentos y resulta especialmente “apetitoso” ya que se relaciona con el tono que adquieren los alimentos tostados. Como sucede con un vaso de zumo de naranja.

La denominación del color naranja va ligada a la introducción de la fruta en Europa a mediados del XVIII. Antes no existía una palabra específica para el color naranja, por eso a las personas con el pelo naranja se les denomina “pelirrojos”.

Es un color presente en la tierra, en gran cantidad de elementos minerales y piedras semipreciosas: el ámbar, el topacio…

Es el tono que caracteriza a la célebre AYERS ROCK , en el desierto central de Australia. La gran cantidad de hierro presente en la piedra arenisca que la constituye es la causa de esta coloración y sin embargo aunque es un color típicamente de tierra, se manifiesta en todo su esplendor en los cielos del atardecer que se tiñe de mil matices de naranja.

Las flores y las frutas de este color destacan mucho sobre el color verde de las hojas. Debido a su vistosidad, el naranja se utiliza frecuentemente en elementos de señalización vial, publicidad y envoltorios.

EL AMARILLO

Es un color luminoso y optimista, asociado con la energía de la radiación solar y con los reflejos del metal más noble y venerado: el oro. Amarillo era el manto de Helios, dios griego del sol, que surcaba los cielos en un carro luminoso. Fue el color preferido de Vincent Van Gogh, ya que al combinarlo con su complementario, el azul, conseguía dar a sus cuadros un efecto de plenitud y alegría de vivir meridional.

En China el amarillo se asocia al YANG. En toda Asia se considera el color de la alegría, poder y sabiduría. Solo a los emperadores y a los monjes budistas les estaba permitido vestir la túnica azafrán. El amarillo también es portador de infortunios y símbolo del ostracismo, hoy es todavía el color mas evitado en el ambiente teatral, y a mediados del siglo XIX llego a prohibirse su uso en las vestimentas sacerdotales

Las tonalidades amarillas abundan en la naturaleza; en los trigales, en la coloración del follaje de otoño y en muchas flores y frutas. En pintura, el amarillo de los pigmentos arcillosos aparece por primera vez en las cuevas de LASCAUS hace 17.000 años. El amarillo ocre se utilizaba mucho en Egipto para reproducir las tonalidades de la piel en las pinturas murales.

Es un buen remedio pintar de amarillo las habitaciones que dan al norte ya que se contrarresta la frialdad de la luz natural.

EL VERDE

Es por excelencia el color de la vegetación, gracias a la clorofila contenida en las hojas. La abundancia del verde en primavera hace que se convierta en símbolo de renovación y de renacer después del invierno, y por lo tanto es el color de la esperanza.

Por su parecido a los tonos de la naturaleza, tiene efectos sedantes sobre la vista y sobre el ánimo. No hay nada como un paseo por el bosque para relajarse.

El verde esta especialmente cargado de significados en el mundo árabe. Es el color predominante en el Paraíso Islámico; el preferido por Mahoma y por los habitantes del desierto. Por esto muchas de las banderas de los países árabes son o contienen este color en gran medida.

También en el Antiguo Egipto, el verde tenía connotaciones positivas. Las mujeres se pintaban los párpados con malaquita triturada.

Como contrapartida, el verde se asocia con lo venenoso y no nauseabundo. Es ajeno físicamente, solo los reptiles y anfibios presentan este color natural. La enorme toxicidad del arsénico con que se elaboraba el pigmento verde esmeralda, hasta los sintéticos, contribuyó a esta fama. También es el color de los celos y de la envidia.

El verde es el color elegido por los ecologistas. En publicidad está asociado a los productos respetuosos con el medio ambiente.

EL AZUL

Es el color de nuestro planeta, puesto que azules son el cielo y el agua. El azul es tan abundante en los cielos y en los mares como raro en la tierra. Solo algunos minerales y flores presentan esta coloración de manera natural.

Es un color frio, al que se supone también un efecto melancólico. Se asocia con lo divino y lo espiritual.

Es la iconografía cristiana, simboliza la fidelidad y la pureza. Azules son los mantos con que se representa a la Virgen en el Renacimiento y azules son también los lazos o ligas que tradicionalmente llevan las novias el día de su boda.

El azul era un color muy utilizado ya en Egipto, tanto para representar a un rio sagrado, el Nilo, como en orfebrería. El lapislázuli, combinado con el oro, abunda en las joyas de Tutankamon. Documentos de la época demuestran que la cantidad de azul que debía emplearse en un cuadro era establecida de antemano por el que encargaba la obra, quien, de este modo, daba muestra de su poder adquisitivo.

Desde la Edad Media, el azul oscuro ha sido el color con que se han vestido los trabajadores. Mientras que la nobleza, haciendo alarde de su superioridad económica, prefería vestir prendas rojas o de colores delicados, el tinte índigo era relativamente fácil de conseguir y asequible para las clases populares. Los pantalones vaqueros también tienen su origen en las prendas sufridas y resistentes, destinadas a los buscadores de oro.

EL VIOLETA

Aquí se engloba toda una gama de colores con grandes diferencias de matiz. Se encuentra entre el rojo y el azul, tiene varias denominaciones en función de su intensidad: lila o púrpura, malva rosado, magenta, lavanda, dependiendo de su color dominante.

Es el color con menor longitud de onda del espectro, en el umbral de lo visible. La luz violeta es la que posee mayor energía y se utiliza para activar mecanismos fotoeléctricos.

En la naturaleza se encuentra raramente y cuando aparece, lo hace de manera exuberante, como reflejo irisado en una mariposa emperador o en el plumaje de un pavo real. También la visión y el aroma de un campo de lavanda no deja de ser espectacular.

Tanto la denominación violeta como sus variantes “malva”, “fucsia”, “lavanda” o “lila” se han tomado prestadas del mundo vegetal. La palabra “púrpura”  proviene de un molusco.

En la simbología eclesiástica, el purpura representa la pasión de Jesucristo, probablemente por tratarse de una mezcla de rojo (sangre) y azul (resurrección). Por esto es el color de las vestiduras sacerdotales durante la cuaresma. También ha sido adoptado como enseña de los movimientos feministas.

Los malvas fueron tonos muy populares durante los años treinta y actualmente estas tonalidades se han vuelto a imponer con fuerza en la decoración de interiores. Si se combinan con tonos cálidos aportan un toque sofisticado y relajante en los ambientes.